Franco Fontana Full color. Polaroids and architectural ab​st​ractions

By Niccolò Lucarelli –

Color is the essence of a sensation, a theory expressed by John Lennon during his time, who in 1966 was writing it in of the lyrics of Tomorrow never knows: “listen to the color of your dreams”. In a broader perspective, Fontana begins from the semantic roots of photography, authenticating “writing with light” and creating in the middle of artistic expression that light becomes the main manifestation: color; characterized by a purity of shape that blooms the primordial perfection in his shots, which helps to envision what the eyes can’t stop watching.

Through this “exasperating” use of color, he gives life to a personal language, that of hyperrealism, which is similar with that of many modern and contemporary artists. But, Fontana continues his path and approaches avant-garde Italian and American experiences, getting closer to De Chirico and Edward Hopper. Fontana is considered to be the inventor of a new photographic language, in the time of the restless sixties, when photography was seen more as a form of art as a documentary tool, strictly in black and white. That fact remained valid, at least in its “copyright” form until the beginning of the eighties. The use of the color film, to a highly snobbish extent, was in fact considered a gimmick for family albums, great for immortalizing the banalities of weddings, birthdays and city gateways. Fontana defied this false myth inventing a type of photography that stood more for interpretation than documentary, and Denis Curtis, curator of the exhibit, proposes seven thematic sections that embrace a poetical whole, which the maestro has known how to transpose onto film.

The use of color has an open subjective character – therefore distant from the realism of the documentary – and as Fontana explains himself, each one is like a self-portrait, where, anyone who looks at it can discover a piece of themselves, their inner life. For Fontana, showing the invisible means showing the soul of the photographed subjects, but also the soul of those who observe it, transforming color into a shade of the individuals souls. The contrasts between green and blue, or between this and the yellow, bring to light the particularities of the surrounding reality, demonstrating the “emotional” potential, otherwise hidden. Color stands out in all its purity, creating suggestive chromatic effects. In his long career, Fontana recreated the surrounding reality like a vast palette of colors and through them he knew how to interpret the veiled malaise of a society in search for a soul, an industrial reality as it in fact is in the late twentieth century and more over during the digital era.

Italiano

Il colore è l’essenza di una sensazione, una tesi già espressa a suo tempo da John Lennon che nel 1966 così scriveva in un verso di Tomorrow never knows: “listen to the color of your dreams”, ovvero “ascolta il colore dei tuoi sogni”. In senso lato, Fontana riparte dalle radici semantiche della fotografia, ne fa autentica “scrittura di luce”, e innalza a mezzo d’espressione artistica ciò che della luce ne è la manifestazione principale: il colore; nei suoi scatti, caratterizzati da una purezza di forma che sfiora la perfezione primigenia, ci aiuta a vedere ciò che lo sguardo, da solo, non riesce a fermare. Attraverso questo utilizzo “esasperato” del colore, dà vita a un linguaggio personalissimo, ovvero quell’iperrealismo che vanta affinità con molti artisti moderni e contemporanei. Ma Fontana prosegue sul tracciato, e si accosta alle esperienze dell’avanguardia italiana e americana, accostandosi a De Chirico e Edward Hopper.

Fontana è considerato l’inventore di un nuovo linguaggio fotografico, in tempi, gli irrequieti anni Sessanta, nei quali la fotografia era vista non tanto come una forma d’arte, quanto uno strumento documentario, rigorosamente in bianco e nero. E tale sarebbe rimasto, almeno nelle sue forme “d’autore”, fino all’inizio degli anni Ottanta. L’uso della pellicola a colori, con misura fortemente snobistica, era infatti considerato un espediente da album familiari, buono per immortalare la banalità quotidiana di matrimoni, compleanni, gite fuoriporta. Fontana ha sfatato questo falso mito, inventando una fotografia che sia interpretazione anziché documentazione, e Denis Curti, curatore della mostra, propone sette sezioni tematiche che abbracciano un’intera poetica, che il maestro ha saputo trasporre su pellicola. L’utilizzo del colore ha carattere apertamente soggettivo – lontano quindi da intenti di realismo documentario -, e come spiega lo stesso Fontana, ogni è come fosse una sorta di autoritratto, dove, per esteso, chiunque lo guardi può ritrovare qualcosa di sé stesso, della sua interiorità.

Mostrare l’invisibile, per Fontana significa mostrare l’anima dei soggetti ritratti, ma anche di chi li osserva, essendo il colore una sfumatura dell’anima degli individui. I contrasti fra il verde e l’azzurro, o fra questo e il giallo, portano alla luce le peculiarità della realtà circostante, mostrandocene il potenziale “emozionale” altrimenti nascosto. Il colore risalta in tutta la sua purezza, creando effetti cromatici suggestivi. Nella sua lunga carriera, Fontana ha concepito la realtà circostante come un’immensa tavolozza di colori, e attraverso di essi ha saputo interpretare il velato malessere di una società alla ricerca di un’anima, come di fatto lo è quella industriale del secondo Novecento, e ancora di più quella dell’era digitale.

Seravezza Fotografia
Palazzo Mediceo
dal 6 febbraio al 10 aprile 2016
www.seravezzafotografia.it