Dal 14 marzo al 24 maggio 2026 il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino costruisce un percorso drammaturgico di rara coerenza, attraversando simbolismo, teatro della solitudine, minimalismo americano e grande melodramma verdiano. Quattro titoli, quattro modi di intendere il conflitto: interiore, sentimentale, storico e politico. Dal 14 al 22 marzo, in un dittico di forte impatto psicologico, vanno in scena Il castello di Barbablù di Béla Bartók e La voix humaine di Francis Poulenc, con la direzione di Martin Rajna e la regia di Claus Guth. Composto nel 1911 ma rappresentato solo il 24 maggio 1918 al Teatro dell’Opera di Budapest, Il castello di Barbablù – su libretto di Béla Balázs – rilegge la fiaba crudele in chiave simbolista, sulla scia del clima evocativo di Pelléas et Mélisande di Claude Debussy. Opera in un atto articolata in nove scene, affida a due soli personaggi – Barbablù e Judith – un confronto che è insieme dialogo coniugale e viaggio nell’inconscio. L’apertura delle sette porte non è semplice progressione narrativa, ma discesa stratificata nella psiche maschile: alle stanze macchiate di rosso segue la rivelazione finale, quando le tre mogli – mattino, meriggio e sera – incarnano il tempo perduto. Judith, donna della notte, viene inghiottita nell’ombra, suggellando un finale di immobilità metafisica. La voix humaine, dal dramma di Jean Cocteau, debuttò il 6 febbraio 1959 al Théâtre national de l’Opéra-Comique. Un unico personaggio, Elle, sospeso al filo di una conversazione telefonica di cui ascoltiamo una sola metà: la sua. Qui la scrittura vocale diventa teatro allo stato puro. La linea melodica segue ogni increspatura emotiva – calma apparente, dubbio, implorazione, disperazione – fino al conclusivo “je t’aime”, che non libera ma cristallizza la solitudine. Se in Bartók la notte è destino, in Poulenc è abbandono. Dal 19 al 26 aprile approda per la prima volta a Firenze The Death of Klinghoffer di John Adams, diretta da Lawrence Renes, interprete di riferimento del repertorio adamsiano, con la regia e le scene di Luca Guadagnino, al suo debutto al Maggio.

Presentata nel 1991 al Théâtre de la Monnaie di Bruxelles, su libretto della poetessa Alice Goodman, l’opera prende spunto dal sequestro e dirottamento, nel 1985, della nave italiana da crociera Achille Lauro da parte di terroristi del Fronte per la liberazione della Palestina. La vicenda, che calamitò l’attenzione di tutto il mondo, si concluse con l’assassinio di uno dei passeggeri, Leonard Klinghoffer, cittadino statunitense di religione ebraica, costretto su una sedia a rotelle, e il cui corpo fu poi gettato in mare dai terroristi. È un teatro che non consola, ma interroga: la musica, di “sublime purezza”, come l’ha definita Guadagnino, si fa spazio di ascolto per una tragedia ancora bruciante. Infine, dal 12 al 24 maggio, Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi. Ispirata all’assassinio di Gustavo III di Svezia nel 1792, per mano di un cortigiano durante un ballo, l’opera nacque sotto il segno della censura: l’uccisione di un sovrano in scena risultava intollerabile alle autorità borboniche. Costretto a modifiche sostanziali e a spostare il debutto dal progettato allestimento napoletano, Verdi vide finalmente l’opera rappresentata il 17 febbraio 1859 al Teatro Apollo di Roma. Sotto la brillantezza settecentesca e l’eleganza di ascendenza francese si cela una riflessione amara sul potere e sul tradimento. Un ballo in maschera coniuga leggerezza teatrale e tensione politica, dimostrando come il melodramma possa trasformare un fatto storico in archetipo universale.

Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
Music as a mirror of contemporary unrest

From March 14 to May 24, 2026, the Teatro del Maggio Musicale Fiorentino constructs a dramaturgical journey of rare coherence, traversing symbolism, theatre of solitude, American minimalism and grand Verdi melodrama. Four titles, four ways of understanding conflict: interior, emotional, historical and political. From March 14–22, in a diptych of striking psychological intensity, Béla Bartók’s Bluebeard’s Castle and Francis Poulenc’s La voix humaine are staged under the baton of Martin Rajna and directed by Claus Guth. Composed in 1911 but first performed on May 24, 1918, at the Hungarian State Opera in Budapest, Bluebeard’s Castle – to a libretto by Béla Balázs – reinterprets the cruel fairy tale through a symbolist lens, in the evocative climate shaped by Debussy’s Pelléas et Mélisande. A one-act opera structured in nine scenes, it entrusts to just two characters – Bluebeard and Judith – a confrontation that is at once conjugal dialogue and descent into the unconscious. The opening of the seven doors is not mere narrative progression, but a layered journey into the male psyche: from chambers stained red to the final revelation, when the three wives – morning, noon and evening – embody lost time. Judith, woman of the night, is absorbed into shadow, sealing an ending of metaphysical stillness. La voix humaine, based on Jean Cocteau’s drama, premiered on February 6, 1959, at the Théâtre national de l’Opéra-Comique. A single character, Elle, suspended by the thread of a telephone conversation of which we hear only one side: hers. Here vocal writing becomes theatre in its purest form. The melodic line follows every emotional tremor – apparent calm, doubt, pleading, despair – until the concluding “je t’aime”, which does not liberate but crystallises solitude. If in Bartók night is destiny, in Poulenc it is abandonment. From April 19–26, John Adams’s The Death of Klinghoffer arrives in Florence for the first time, conducted by Lawrence Renes, a leading interpreter of Adams’s repertoire, with staging and set design by Luca Guadagnino, making his debut at the Maggio. First presented in 1991 at La Monnaie in Brussels, with a libretto by poet Alice Goodman, the opera is inspired by the 1985 hijacking of the Italian cruise ship Achille Lauro by terrorists of the Palestine Liberation Front. The event, which captured global attention, ended with the murder of one of the passengers, Leonard Klinghoffer, an American citizen of Jewish faith, wheelchair-bound, whose body was thrown overboard. It is a theatre that does not console, but questions: the music, described by Guadagnino as of “sublime purity”, becomes a space of listening for a tragedy that remains painfully resonant. Finally, from May 12–24, Giuseppe Verdi’s Un ballo in maschera. Inspired by the assassination of King Gustav III of Sweden in 1792 at a court ball, the opera was born under the sign of censorship: the on-stage killing of a sovereign proved intolerable to Bourbon authorities. Forced into substantial revisions and obliged to move the premiere from the intended Neapolitan staging, Verdi finally saw the work performed on February 17, 1859, at the Teatro Apollo in Rome. Beneath its eighteenth-century brilliance and French-inflected elegance lies a bitter meditation on power and betrayal. Un ballo in maschera unites theatrical lightness and political tension, demonstrating how melodrama can transform a historical event into a universal archetype.